September 21, 2015 FotoFilmic


Photo © Richard Bellia, Nirvana Press Conference, December 1991, Rennes, France

(Original French version follows)

FotoFilmic: For over 35 years you’ve been documenting and portraying the musical scene on film everywhere in France and most of Europe, getting your work published on a regular basis in some of the industry’s most coveted magazines and tabloids including Libération, Les Inrockuptibles, Rock Sound and Rock & Folk on the French side, as well as the New Musical Express, Melody Maker and others in the UK.  Through the 80s, 90s and 2000s you have penned a rigorous format of photographic vision challenging compromises and sticking to a tried-and-true involvement as photographer with the living reality facing your lens. 2015 finds you still using the same box companions you started out with, honest straightforward cameras such as a Hasselblad 500 or a 35mm Contax, fed with black-and-white film and spitting those same hard earned portraits of yours that seem to never age. Do you think that this joyfully grim aesthetic, that rugged authentic narrative and intuitive sense of presence characteristic of your work is somehow reflective of film’s genuine photographic language?

Richard Bellia: First of, thanks for starting with compliments, especially that of being “rigorous”, many compliments just tend to please but that one is just right. If I’m to be rigorous it’s mostly due to the fact that, like most things in my work overall, I work very swiftly and always using topnotch equipment.

To answer your question regarding what might set film photography apart as a visual language, and also speaking about its ability – film’s power you could say – to bring back a wide variety of shots types with equal quality, I’d go back to the fundamentals and say that what one will always need first is light, and preferably good available light. I’m one of these photographers who think you need to work around the light to find any decent shot. I’m not a big fan of flash photography, but curiously enough every time I edit work for a book, an exhibition or any other projects I always end up choosing photos whose lines are the sharpest and that stick best to the wall in your mind, and most of these are usually flash lit!

© Richard Bellia, Lana Del Rey, 2012

F/F: When you say you work very swiftly, I’m guessing it might be because your subjects are only available for brief periods of time, encountered in unplanned spaces that are probably not so fashionably appealing to the eye? This would make your photography more spontaneous than anything else.

RB: Yet another “right” compliment, thank you! Yes, for many obvious reasons my places of photography usually amount to hostile environments. In the case of a fashion shoot for instance, everything is carefully chosen and put in place by the photographer, the model, clothing, lighting, the positioning and mood, makeup and accessories, in short everything has been brought forward in a certain way with the final photo in mind. In my position it is quite the contrary, people work, they pass through, it’s ugly. To the point that getting rid of the background literally becomes part of a photographic hygiene of sort (I’m only half kidding). In any case, you have to work fast at finding a croppable composition, or a full framing usable down the road.

Another aspect that dictates me having to work so quickly is the fact that I shoot most musicians pretty much by surprise out of the blue. There’s of course no appointment, and I find them always busy rehearsing, or taking a break, settling in, then playing and taking off. Being a fast shooter is just the way it works. I’d also say 80% of a photograph come from your legs: a photo is only successful or interesting insofar as your legs took you to it in the first place. There’s a bit of human touch too, and then light, and a bit of technical savviness. It all adds up to a pretty simple line of work eventually, like a bunch of little things you keep an eye on and fix fast.

F/F: It’s like going back to the roots of photography in a way: there’s just light, a photographer caught in a moment, scarcity of everything, time, film, then happens what happens, no?

RB: Yep, and you also need good communication, being able to talk to those guys just the right amount of words. But it sounds like you are painting my work in the best possible light here. If you like I’m happy to point you to the pitfalls, I know them all too well (laughs)! But seriously, I just take what I found, whatever is available out there. Always avoiding boring rock stereotypes that demand that a punk band gives a finger, or that metal heads have tattooed skulls, it can’t be my work when it gets that cheesy. I do like photographing bands more than once from time to time, stumbling again upon four guys and start improvising, setting them up in a cozy spot, making them relax, cranking and firing a few casual frames… if you look long enough at my series of portraits and group portraits, surely after a while certain elements get repetitive, the slight tension in the subjects’ eyes, the light right on them and its falloff, it’s never overly complicated… but that is actually how I give some room to my portraits, by emphasizing their mood, or backing off a bit to capture more of the environment and its feeling, all these mix in and help balance the work, making it digestible, I want to say, on the long run so that it finds rhythm and purpose beyond just a series of rock pictures.

F/F: I do agree that your photography doesn’t seem bound to a particular format, or even constrained to a style, indeed it seems way more fluid than that.

RB: It all really depends on what you want to call a “style”: can you perceive such a thing in a single photo, or on the contrary does it manifests itself only after you’ve gone through a thousand of them? In other words is it an interpretation of an image, or is more literal than that? There’s a world of difference between two… say I take fifteen shots with nudity, then one where people drink, then another funny different one with a big crowd and lots of girls in it, then another completely empty one, and I say “hey that’s my style” you see? That’d be kind of a cool style. Yet I could just as well have a style based on the same lighting, shooting the same stock and on, but that’d be more like forced labor.

To go back to the film and cameras I use and how I use them, I think photos amount to very little time, as we probably all know today. But we do keep on living with them forever afterwards, and because of that it will always be vastly more interesting to have your hands busy with film and beautiful fiber-based prints rather than sitting in front of a screen tweaking contrast or being lost in endless editing.

© Richard Bellia, Joe Strummer, 1989

F/F: Your stubborn refusal to open up to digital photography is kind of a notorious trait, especially considering the press and news media culture nowadays, even the more independent, culture and arts inclined one. Working as a freelancer not having to report to an editor might partly explain why, do you however know of other established photographers in the music industry that have stuck to the same film guns as you?

RB: To tell you the truth, I’ll admit to a brief digital stunt back in 2006 or 2007 while working on a photo blog for Arte (Franco-German cultural TV channel). I was told then to systematically publish all my shots online right away. During that brief time I got to experience the worst possible scenario, which is to do good photography with the wrong media. I was OK using that little digital camera for as long as I didn’t take any really good shots with it, I was like “it’s just work, it’s for a blog”… which reminds me, I don’t know if you’ve noticed but talking about digital photo to people, they all end up strangely sighting at the end of each sentence, like “pfff”, punctuating some kind of pity: “yeah it doesn’t do anything on my phone, pfff!” or “my client gives a shit, pfff!” Point is, it does hurt to see a great photo on the wrong media, you keep telling yourself “man, if only I shot that on my Contax and a fifty, that would totally scream!” But I shot it digitally, so, pfff, that’s it. Seriously, try laying out twenty great fiber-based prints on a table, then throw in my cute Patti Smith portrait shot on a digital camera, and you’ll be like “what the hell is that?” I’m telling you, nothing like a good shot on a digital to make you wanna quit it all. You look at your picture, and you see it only it’s like all emptied out, but then again if you shot it instead on 400 film, with plenty of grain, overdev’ed plus 50%… you get the idea, I just wanted to make clear that I don’t really qualify for the whole “I never shot digitally” thing, ’cause as it turns out I did do a bit of digital, I even shot a cover like that for Rock & Folk and it really sucked, real ugly…

As far as other music photographers still shooting film, I know of a few, there’s Mehdi Benkler (Switzerland), he’s also a gifted guitarist in love with distortion so he’s not afraid of flashing it hard unlike me (laughs). There’s also Steve Gullick (London), David Godlis in New York, and also that guy TOUMS (Thomas Gosset), who completely messes up his negs afterwards with paint, detergent and other stuff, so not strictly a photographer. What’s so great about these guys who all live in different corners of the world is the fact that they all have the same things to say: they love film and analog photography, and talk endlessly about the unique true gritty experience of shooting it, of being fully incarnated as photographer through it.

© Richard Bellia, Kevin Shields, My Bloody Valentine, Munich, Spring 1989

F/F: You’re also a true black-and-white believer beyond mere aesthetic considerations, which has really contributed to shaping your photography and making it stand out in an age of “smartphones” and ubiquitous digital technology (although you’re not reluctant to loading color when needed). Can you talk a little about how that first, historical language of photography impacts your envisioning and artistic outlook in general?

RB: I’m afraid I can’t really comment on that, I don’t really have anything else to add on black-and-white photography that hasn’t already been said better by many great photographers before me, so I’ll just paraphrase them and say that black-and-white film gets rid of the unnecessary. I feel terrible, really there’s nothing else to say about it for me, don’t quote me on that, but I think it’s that simple and obvious. Plus black-and-white film with its traditional emulsion and chemical processing really allows you to make full use of the black-and-white spectrum from pure black to absolute white and everything in between. That’s what gives film its signature aesthetic, with lots of shadow and highlight details. Evidence of that are the numerous digital shooters I know who for the past fifteen years have kept on bugging me, always telling me “but look Richard, it’s ALMOST as good as film!” (laughs) I have only one answer for them, which is actually a question, asking them why in the name of god they don’t just stick with film already since it’s obviously still the champ to beat?

Another response I need to make has to see with the use of the words “photography” and “today” in the same sentence as in your question. To me it seems photography’s mission is to dismiss today. For it only exists afterwards, after we used it, as a kind of creeping back past, unaware and uninterested in change or time. To put it bluntly, photography obliterates the now, the today. So any sentence that makes use of both terms “photography” and “today” is offtrack, at least according to me. So yeah photography doesn’t care about when we are, it picks up the past and shuttles it up into a future… What really matters in the end is just being able to be there, near that musician, that other celebrity, in any given situation and time, or place and equipped with a trusty camera loaded with film… Black-and-white film preferably because there almost always will be light enough around to record interesting stuff on it, unless its night-black, and so you won’t find yourself cursing “damn it, my colors are all fainted!” or “it’s all over the place!”

F/F: I also hear a clear sense of self-satisfaction, playfulness and even pleasure listening to you talk about your work and practice, and also the notion that the lived experience of photographing might very well be just as important as any final results, am-I right?

RB: Absolutely, yes! To be completely honest with you, that’s also probably why such labels as “historical” and “artistic” make me a bit jumpy. I basically never think in those terms, I’m not one of these guys pulling out his camera blabbering to himself “let’s take a historical shot here” or “time to make an artistic photo”. So again very flattering, thank you, but it doesn’t really suit me!

© Richard Bellia, Nirvana, Bristol, 1991

F/F: FOTOFILMIC is dedicated to promoting the new generations of photographers working on film today: what essential advice or recommendation would you have for them?

RB: OK maybe two or three quick tips, starting with committing to shoot on film, that’s completely key. You’ll teach your ten fingers something as opposed to be good at outdated software. Secondly, and I’m dead serious about it, you need to understand to let go of lens caps, they’re completely useless, they’re such time-wasters when you put them on, take them off, look for them. So yeah basically fuck caps, plus I have yet to meet someone waiving a damaged one claiming “totally saved my lens!” (laughs)

Next advice concerns the hispters coming to film photography with their plastic lomos, expired or funky film, staff like that. C’mon, what’s wrong with plain film and cameras? The only possible explanation has to be fear of fucking up with what remains a perfectly reliable and exact technology, the finest and easiest graphic art out there, with only two knobs to turn and a needle that tells you in which direction, and working temperatures written all over the box… you would think it really can’t be that hard to make a nice print, right? Then if it sucks, it’s gotta be the photographer, unless hey you get a free pass thanks to unreliable materials like atomic film or leaky bodies. So, number three: do it right folks, and as the Brits say “If something’s worth doing, it’s worth doing it well”!

Another piece of advice would be to fully comprehend the difference between the real stuff in front of the lens and the end plasticky image in your hands. That piece of plastic has seen two lenses, a recording one (camera) and a printing one (enlarger). These two lenses alone dictate much of a work’s quality. It makes me crazy to watch these commercials for complicated camera bodies when in reality lenses represent the only true investment to be made! I work with Zeiss lenses all around, they’re on my Hassy, my Contax and even my Focomat enlarger head, and they’ve never been so cheap than today! Stock-up on these babies if you can because it won’t last. 2015 will be spoken of as a golden age, I’m telling you (laughs)!

Alright one more for shy students processing their films and prints at the lab, who are always in a rush to pay and can’t stuff away their work fast enough from other discerning eyes. Meat traders have a saying: “talk to your butcher”. It’s the same with photo: when at the lab take some time to chat, to lay out your stuff to actually look at it, and ask for help or advice if needed, it’s OK to be new at it and most lab guys are super eager to fill in your blanks, to teach you some practical bits. That’s also a good way to gather feedback and insights and move forward with your work, and to become a better customer, which always pays off down the road. So next time at the lab, take a good strong voice and go for it: “hey, you mind looking at my contact sheet for a sec? I think I screwed up a few frames”.

Last one, straight up: add 20% time. Don’t go by the box or the manual, it really works no matter what brand, Kodak, Ilford, whatever. Otherwise you just won’t get the black-and-white you want, only a greyish mess. Einstein used to say something along the line of “doing the same thing over and hoping for change is the definition of madness”, so go ahead and add 20% time. And one degree. Yep that’s it, and shake it up a bit too.

© Richard Bellia, Blur, London, 1991

F/F: You are based and live in Lyon, France but travel frequently to all corners of France and Europe to cover their many music festivals and shoot press assignments. Is finding film and good labs still an easy endeavor?

RB: I don’t work much with the press anymore these days, I’m still published in it on a regular basis but contact is sporadic. No problem finding what I need in Lyon, there are plenty of choices, which wasn’t the case at all in the small northern Canada city where I was last week (Rouyn-Noranda, QC). There’s only one photo store there, Fortin’s (Michel Fortin Photo). After inquiring for some 120 film the cashier came back several minutes later with a single 2010-expired color roll in hand. She actually gifted it to me, to the astonishment of the locals (“what? Fortin gave you film?”), all digital shooters met later on at the EMF (Emerging Music Festival) bar. So yeah, you can find film but I usually stock up anyway, makes you shoot more, especially that one fun experimental roll you would just save otherwise.

F/F: Let’s now focus a bit on what’s next for you: any upcoming projects, exciting plans, what’s cooking? You got one book out in 2007 titled “An Eye on Music, 1982-2007”, followed by a hefty exhibition catalog publication in 2010 called “Sex and Rock and Roll, 1984-2010” (no text). Exhibition-wise you had amongst other recent showings work up at agnès b.’s New York Boutique Galerie in April last year, as well as the big retrospective “English Rock” show last January/February at the André Malraux Art Center in Rouen, France, that featured many stunning portraits of pop and rock stars like The Cure, Paul McCartney and David Bowie to name only a few. What’s next?

RB: I get constantly invited to collaborate and show work for different projects, and depending on my proactivity (or lack thereof) things shape up and usually happen within the next year or so. Right now I’m working on a few projects, one of them takes place inside a church in Toulon (South France) next November and is called “Art’s Supermarket”. Mostly though, I work on re-publishing my book “An Eye on Music” as it’s now all out of print. It sold well and opened me many new doors so I started working on an expanded edition, a rather massive one I should say since the new book will weigh roughly 7 more pounds (laughs)! That second edition will tip at over 11 pounds, 750 pages, a thousand photos (47 16-page booklets) dating back to 1980 all the way through 2015. The first draft is done and I’m getting ready to crowd-fund it on the Ulule platform, as such large-scale publication projects often require. It’s going to be an a-ma-zing book, so it’ll be getting all my attention for a while. I plan on pricing it at around €120, with additional goodies for my backers such as small 4″x6″ original silver-gelatin prints, as well as larger limited-edition ones, and for the ambitious takers I produce and bring a one-week exhibition to your home worldwide for a mere €15,000 (laughs)! And yes it comes with the book, of course. That’s 2017 for me.

© Richard Bellia, Robert Smith & Mary Poole, 1985

F/F: Finally, if anything were possible (why not?) what would be your ultimate project photography-wise (or else)?

RB: I know these two guys in LA, and I’m sure it would be possible to make them meet despite the city’s gigantic scale. Why these guys? Well both their sex are icons of Rock’n Roll culture for starters. One guy’s dick made the cover of the Rolling Stones’ famed “Sticky Fingers” album. He was known to pack a large one, having occasionally ventured into porno movies, he’s the guy acting opposite Jane Birkin in “Je t’aime moi non plus” (I love you me neither). His name is Joe Dallessandro. Just imagine Andy Wharol kneeling in front of the guy and taking the shot to become one of the greatest album covers of all times, it’s mind bogging! The second guy is the kid in the pool on Nirvana’s “Nevermind” album cover, as I said both live in LA today and I keep thinking it would be so cool to have them meet and take a photo of them together. Of course it could just be a bad idea, what if they have nothing to say to each other? One is much older than the other, so… Or we could do one of these dumb live shows, I don’t know. Thing is I totally can get in touch with them both, but the means involved are pretty disturbing! Still it would be fun to go ahead and do it nevertheless, to get the ball rolling. The Nirvana kid lives in a part of town where I know a girl who runs an art gallery that actually opened his first exhibition, he’s now 18 or 19 and does skate graphs. So for him my contact is that gallery owner, who also happens to be Rika Zaraï’s daughter (laughs)! You just have to laugh, right? We’ll see…

A more serious project that I think I could work on in a parallel track to the book re-edition and its conclusion would be… And going back to photography bridging over past and future, and trying to scale that idea up a bit more with the book serving the same purpose… to just conceive of photos as a journey in time and work from there as a testimony and commentary to what happened to the Montreux Jazz Festival (Switzerland) in 2013, when they basically turned in all their video records and archives from 1967 and on to Unesco’s “Memory of the World” program. Sure enough they immediately digitized the whole thing, almost fifty years of jazz down the digital pipe for I don’t know, 4 terabytes of data maybe. It looks so stupid in comparison to say the Cheops pyramids and other so called world wonders! I guess future generations will have to come up with I don’t know what antiquated hard drive and cable to access the stuff. I’ll admit to a bit of cruel irony, but wouldn’t it be wonderful to go there and shoot the dumb digital cabinet and add a caption reading: “Montreux’s World Jazz Memory, sorry chaps!”

© All images by Richard Bellia

French interview translated in English by FotoFilmic


© Richard Bellia, Lee Scratch Perry, September 1987

Version originale française:

FotoFilmic: Photographe phare depuis maintenant plus de trente-cinq ans de la scène musicale indépendente française et européenne, vos nombreux travaux régulièrement visibles dans la presse specialisée (Libération, Les Inrockuptibles, Rock Sound en France parmi d’autres, le New Musical Express en Grande Bretagne, et à son époque l’hebdo pionnier Melody Maker) ont façonné au fil des années 80, 90 et 2000 un format de vision photographique exigeant, loin du compromis, et au plus proche du réel vivant en face de votre objectif. Aujourd’hui, en 2015, votre démarche n’a pas changé et vous êtes resté inexorablement fidèle à vos boitiers manuels Contax pour le 35mm et Hasselblad pour le moyen-format carré. Ce language de réalité dont nous parlions, cette adhérence intuitive, réactive du médium photo présente dans vos images sont-elles selon vous propre aux pratiques de l’argentique?

Richard Bellia: Merci tout d’abord pour certains compliments comme celui d’être “exigeant”, il y a beaucoup de compliments qui sont typiquement du genre à faire plaisir, mais celui-là il est bien! Mon exigeance est dû en très grande partie, comme tout ce qui concerne mon travail en général, au fait que je travaille extrêmement vite et toujours avec du très bon matériel.

Pour ce qui est du “droit du film” à rammener toutes sortes de prises avec la même qualité, et pour répondre à votre question sur ce qui est propre à la photographie argentique, j’en reviendrais aux fondamentaux à savoir qu’il faut d’abord de la lumière, et qu’ensuite il est toujours préférable qu’elle soit belle. C’est pourquoi je reste attaché au principe de devoir tourner autour de la lumière pour trouver son angle. Curieusement je ne suis vraiment pas un énorme adepte du flash, et pourtant chaque fois que je fais un travail d’édition, que ce soit pour un livre, une expo ou autre, je finis en général par choisir celles dont le trait est net et qui restent le mieux, et la plupart sont celles faites au flash!

F/F: Quand vous dîtes, Richard, que vous travaillez extrêmement vite, j’imagine que c’est dû au fait que vos sujets ne sont pas forcément disponibles longtemps, trouvés dans des lieux non-arrangés et souvent pas photogéniques? C’est une photographie en fait très spontanée que vous pratiquez.

RB: Ah, encore un “bon” compliment, merci! Oui, pour plein de raisons les endroits où je fais de la photo habituellement sont plutôt des environnements hostiles. Quand on regarde une photo de mode par exemple le photographe a absolument tout choisi, le modèle, les vêtements, la lumière, la pause, le maquillage, les accessoires, on est face à une photo où tout a été fait pour et par elle. Moi je suis plutôt dans une position où c’est le contraire, ça travaille, c’est pas beau, ça circule. Travailler en se débarassant du fond fait partie de l’hygiène je dirais, sur le ton de la blague, mais il faut vite se dépécher quand on cadre pour trouver un bon plan qui pourra être “crop” ou plein, ou utilisable dans tous les cas.

Une autre raison pour laquelle je travaille aussi assez vite est que je photographie tous ces musiciens quasiment par surprise, sans aucun rendez-vous dans de gros festivals pendant qu’ils bossent, se posent, s’installent, passent un peu de temps, jouent et s’en vont. Donc le fait d’aller vite, c’est vraiment le mode opératoire obligatoire si vous voulez. Du coup, 80% d’une photo c’est les jambes: si une photographie est belle, c’est que nos jambes nous ont ammené devant quelque chose d’assez joli. Bien sûr il y a un peu d’humain aussi, la lumière, et un poil de technique. Tout cela s’additionne vraiment, ce n’est pas un travail très compliqué, juste une somme de détails auquels il faut faire attention, et vite.

F/F: On en revient finalement un peu à une photographie au sens premier, non? La lumière, un photographe dans un moment et un temps limités, et arrive ce qui peut arriver?

RB: Oui, et en même temps il faut aussi un peu de tchache, mais c’est une interprétation très bienveillante de mon travail que vous faites ici je pense. Si vous voulez trouver des défauts, dites moi, je les ai aussi (rires)! Mais vraiment, je prend ce que l’on me donne. Loin des pseudo-langages de la scène qui voudraient qu’un groupe punk fasse un doigt, ou qu’un groupe de métal fasse une tête de mort, ce n’est plus ma photo quand çà devient nanar… et en même temps quand je peux photographier un groupe assez souvent, quatres mecs que je prends et que je  mets là, à l’aise et confortables… on peut faire un enchaînement de mes portraits et photos de groupes et au bout d’un moment ce qui peut paraître un peu lassant, un peu d’attention dans les yeux, et la lumière comme il faut, ça va jamais chercher très loin… mais c’est comme ça que je donne de la respiration à mon travail de portraits, en faisant des photos plus d’ambiance, en reculant un petit peu plus, et en présentant mon travail comme un mélange de l’un et de l’autre, pour qu’il devienne j’allais dire “respirable”, même si ce n’est pas le bon terme, enfin pour qu’il prenne son rythme, pour qu’une narration existe au lieu juste d’une gallerie de portraits.

F/F: Je vois, vous n’êtes donc pas figé ou enfermé dans un format ou un style fixe. Votre photographie semble en effet plus évolutive que cela.

RB: Ça dépend ce qu’on appelle un “style” exactement: est-ce une photo, ou bien ce qui ressort, une interprétation donnée, quand on a vu mille photos? Entre les deux réponses existe une très grande liberté… si par exemple ça fait quinze fois que je fais des photos où il y a du cul et que j’en fais une où ça boit, et puis une autre qu’est un peu fun, où il y a du monde, des gonzesses, et puis d’autres où il n’y a personne, c’est mon style tu vois? C’est plus drôle comme ça! Ou alors si j’ai un style où c’est toujours la même lumière, la même pellicule, mais ça c’est plus l’usine.

Pour en revenir vraiment à l’utilisation du film et des appareils photos, une photo c’est très peu de temps comme on le sait tous, mais après on vit avec indéfiniment, et c’est tout de même drôlement plus intéressant d’être alors les mains dans des pellicules et tirages maginifiques que de se trouver devant un écrant à changer des contrastes et faire de l’éditing.

F/F: Vous êtes notoirement connu pour votre refus complet à ne serait-ce que considérer photographier au numérique, même à l’occasion! Une telle attitude, Ô combien rafraîchissante est cependant bien rare, du moins dans l’industrie de la presse, même culturelle. Cela est probablement partiellement dû au fait que vous avez toujours travaillé en indépendent, quand de nombreux autres photographes d’évènements et de presse sont tributaires d’une chaîne éditoriale. Connaissez-vous néanmmoins d’autres portraitistes et photographes de scène dans le milieu qui soient eux aussi restés attachés au film?

RB: La vérité c’est que j’ai fait un tout petit peu de numérique pendant deux ans entre 2006 et 2007, notamment pour un blog de la chaîne Arte (chaîne télévisée culturelle franco-allemande) où on me disait qu’il fallait mettre en ligne les photos de suite. Ce bref temps m’a permis malheureusement de vivre la pire des possibilités, c’est à dire de faire de bonnes photos mais sur un mauvais support. Tant que je n’avais pas fait une seule bonne photo avec mon petit numérique je me disais que c’était OK, que c’était pour le journal… je ne sais pas si vous avez remarqué, mais au bout d’un moment quand tu parles aux gens de numérique ils se mettent tous à faire “pfff!” en guise de ponctuation: “sur le téléphone ça ne change rien, ouais, pfff!”, “mon client il s’en fout, ouais, pfff!” En tous cas ça fait très mal au coeur le jour où on a une bonne photo sur le mauvais support, on se dit “si seulement je l’avais faite ne serait-ce qu’avec mon Contax et au 50 mm elle serait tellement belle!”, alors que je l’ai faite avec un numérique et, pfff, voilà quoi! Faîtes l’expérience, mettez 20 beau tirages barytés sur votre table et à coté mon très joli portrait de Patti Smith fait au numérique et vous vous direz “non mais c’est quoi ça?” Il faut vraiment faire un bonne photo au numérique pour que ça vous tourne le bide un petit peu et que l’envie vous passe. Vous voyez votre photo, mais “en creux”, alors que si vous l’aviez faite en 400 avec du grain, surdéveloppée à plus 50, enfin bon… je voulais juste être précis sur le coté “je n’ai jamais fait de numérique”, car j’en ai fait un petit peu, j’ai même fait une couverture pour Rock & Folk et elle était pas belle, vraiment moche…

En ce qui concerne d’autres photographes musicaux qui marchent toujours au film, il y a Mehdi Benkler (Suisse), qui est aussi un guitariste fameux qui adore la distortion et du coup n’a pas peur des coups de flash lui (rires), Steve Gullick (London), ou encore le New-Yorkais David Godlis et l’artiste TOUMS (Thomas Gosset), mais qui lui retouche et altère énormément le négatif après coup avec de la peinture ou du détergent, donc autre usage de la photographie. Ce qui est génial c’est d’entendre parler tous ces photographes qui habitent dans des coins complètement différents du monde et qui disent tous la même chose: leur amour de l’argentique, et l’expérience “de bon sens” du vrai photographier que cela procure.

F/F: Vous êtes également un fervent adepte du “vrai” noir-et-blanc, choix pas seulement esthétique qui contribue intégralement à marquer votre différence et définir votre propos photographique aujourd’hui à l’époque des “Smartphones” et du tout numérique (même s’il vous arrive parfois de charger de la couleur si le projet s’y prête). Pouvez-vous nous décrire un peu les rapports artistiques forts, authentiques, voires bruts que vous trouvez dans ce premier parlé historique de la photo et vos sujets?

RB: Sur le Noir&Blanc je ne peux pas vraiment dire autre chose que ce qui a déjà été dit et redit maintes fois par de nombreux grands photographes avant moi, et qui est que le noir-et-blanc enlève le superflu. C’est vraiment terrible, je ne peux rien dire de mieux, et ça n’est même pas de moi, mais c’est une évidence. A part ça je dirais quand même que la pellicule noir-et-blanc et son traitement chimique permettent de vraiment travailler sur tout le spectre allant du noir pur and blanc total dans cette esthétique film tout en préservant relativement facilement du détail dans les hautes et basses lumières. La preuve en est que ça fait 15 ans que j’entends des utilisateurs du numérique me dire “mais regarde, ça vaut presque un bon argentique!” (rires), et je leur fait toujours la même réponse, qui est de leur demander pourquoi ils ne restent pas avec de l’argentique si c’est toujours leur référence?

La deuxième chose qui m’apparaît dans votre question et à laquelle il faut vraiment que je réponde c’est l’utilisation très précise du mot “photographie” et “aujourd’hui” dans la même phrase. Il me semble que la photographie sert à ce qu’on se foute de l’aujourd’hui. Elle n’existe qu’une fois qu’on la prise, émanante du passé, immuable au temps et à ses changements. La photographie, pour aller vite, sert à se débarasser de ce poids du maintenant, du aujourd’hui. Donc je pense que n’importe quelle phrase qui théorise sur la photographie et contient le mot “aujourd’hui” n’est pas juste. La photographie vous prend le passé pour vous l’ammener dans le futur, elle se moque du quand on est… Au bout du compte ce qui importe c’est de pouvoir approcher tel musicien, telle personalité, telle situation à tel moment, à tel endroit avec un bon appareil et du film… Surtout du film noir-et-blanc, parce qu’avec il y aura quasiment toujours assez de lumière, à moins qu’il fasse nuit noire, pour faire quelque chose d’intéressant, sans se dire “merde, les couleurs sont pauvres” par exemple.

F/F: Clairement à vous entendre on se dit qu’il y a aussi un véritable plaisir personnel impliqué dans votre manière de travailler, une notion évidente d’expérience vécue peut-être toute aussi importante que le résultat final, je me trompe?

RB: Ah oui, bien sûr, tout à fait d’accord! Et pour être tout à fait honnête, c’est la raison pour laquelle il y a deux mots qui me font un peu sursauter dans votre question: “historique” et “artistique”. Je n’y pense jamais, je ne me dis jamais en dégainant mon appareil que je vais faire une photo historique ou artistique. Donc merci encore du compliment, mais c’est vraiment pas dans mes intentions!

F/F: La Foundation et plateforme de publication FotoFilmic a pour mission de favoriser l’émergence de nouvelles générations de photographes argentiques: quels conseils et recommendations essentielles leur donneriez-vous pour réussir?

RB: Juste deux ou trois conseils, à commencer par faire du film qui me parait vraiment être la chose la plus élémentaire. Ça permet d’apprendre à faire quelque chose avec ses 10 doigts, au lieu de juste connaître des logiciels périmés. La deuxième chose, et je vous assure que ce n’est pas un blague, c’est de comprendre que les capuchons d’objectifs ne servent à rien, sinon à perdre du temps quand on l’enlève, quand on le remet, puis quand on le cherche. Donc arrêtez tout avec les capuchons, personne ne vous montrera jamais un capuchon complètement détruit en prétendant que ça a sauvé son objectif!

Troisièmement, à propos du cliché des hipsters qui découvrent la photo argentique et photographient avec des boitiers en plastique lomo, de la vieille pellicule, ou d’autres procédés comme ça: j’y vois la peur constante de n’importe quel photographe de se rater, et le vertige vient de ce qu’on est quand même devant une technologie qui est assez incroyablement parfaite, qui est l’art graphique le plus fin et le simple qui existe, avec deux boutons à tourner et une aiguille qui vous dit dans quel sens, avec des températures écrites sur la boîte et le mode d’emploi… on peut quand même se dire que ça doit être relativement facile pour n’importe qui de faire une photographie absolument nickel, non? Que si la photo rate ça sera complètement de la faute du photographe, à moins justement d’introduire un truc aléatoire dans le médium pour se dédouaner, comme bosser avec de la pellicule périmée. Donc, en numéro 3: faîtes les choses bien les gars. “If something’s worth doing, it’s worth doing well” comme disent les Anglais!

Quatrièmement, ce serait de bien réaliser la différence entre le réel qu’on va photographier et le bout de papier avec lequel on se retrouve au final. C’est comme un bout de plastique qui serait passé entre deux optiques, une qui l’enregistre (caméra) et une autre qui l’imprime (agrandisseur). La finesse d’un travail dépend entièrement de la qualité de ces deux objets, c’est halucinant de voir toutes ces pubs faites pour des boitiers alors que seules les optiques sont vraiment importantes! Moi je m’astreins à ne travailler qu’avec du Zeiss sur mon Blad et mon Contax, idem pour mon agrandisseur Focomat, et ça n’a jamais coûté aussi peu cher, donc stockez-en les gars, ça ne durera pas! On parlera bientôt de 2015 comme d’un âge d’or (rires).

Mon cinquième conseil serait plus pour les étudiants que je vois souvent faire développer leurs films et photos au labo ou chez un photographe et qui sont tellement peu confiants dans leurs résultats qu’ils payent à toute vitesse et mettent tout dans leur sac très vite comme s’ils avaient honte, ou que c’était trop intime… les marchands de viande disent toujours “parlez à votre boucher” et la photo c’est pareil: si vous faîtes développer vos pelloches prenez le temps d’arriver, de discuter avec le laborantin ou le photographe qui sera ravi de vous expliquer ce qui marche ou qui ne marche pas, si vous vous trompez de vitesse ou autre, c’est aussi comme ça qu’on apprend et qu’on devient meilleur, qu’on travaille plus et prend d’avantage de photos et au final gagne à être un bon client. Donc la dernière chose c’est de ne pas prendre sa petite voix quand on va chercher ses films mais on contraire de dire “vous pouvez m’aider je débute”.

Et puis un dernier sixième, tout simple, c’est de rajouter 20% du temps mis sur les boîtes de développement. Ça c’est crucial, et peut importe la marque que ce soit Kodak, Ilford ou autre. Sinon on a pas le noir-et-blanc qu’on veut, juste du grisaillé moche qui veut rien dire. Il y a cette phrase de Einstein qui dit que “refaire la même chose en espérant un résultat différent est la définition de la folie”, donc rajoutez 20%, puis un degré. Oui vraiment, et secouez un peu plus également.

F/F: Vous vivez aujourd’hui en France du côté de Lyon mais continuez à voyager fréquemment aux quatres coins de l’hexagone ainsi qu’à l’étranger pour suivre les nombreux festivals musicaux et shooter vos commandes de presse. Est-il généralement toujours facile de trouver du film ainsi que de bons labs en dehors de chez-soi?

RB: Je ne travaille plus vraiment avec la presse, j’y ai toujours un peu de diffusion mais c’est un monde avec lequel je ne parle plus beaucoup. Sinon je vis à Lyon et on y est bien achalandé pour ce qui est de trouver du film. Par contraste j’étais dans le nord du Canada la semaine dernière dans une toute petite ville (Rouyn-Noranda, Québec) où il n’y a qu’un seul magazin photo: chez Fortin (Michel Fortin Photo). Je leur ai demandé de la pellicule 120, la vendeuse est revenue quelques minutes après avec un seul rouleau en me disant que c’était la dernière, une 160 couleur périmée de 2010… elle m’en a fait don, au grand étonnement de tous les photographes locaux (“Fortin il t’a donné quelque chose??”) qui font tous du numérique et que j’ai croisé plus tard au bar du festival du FME (Festival de Musique Émergente). Bref, la pellicule on en trouve mais il vaut mieux en stocker d’avance, ne serait-ce que parce que quand on en a un stock on en fait toujours un petit peu plus, surtout pour cette pellicule qu’on va faire pour le plaisir et qu’on ne prend pas sinon.

F/F: Parlons un peu de votre actualité artistique: côté recueil vous avez publié un premier volume photographique en 2007 intitulé “Un Oeil sur la Musique, 1982-2007”, puis en 2010 un catalogue d’exposition “Sex and Rock and Roll, 1984-2010” (sans texte). Côté exposition on compte récemment la Galerie Boutique agnès B. de New York en Avril 2014, et parmi de nombreuses autres l’exposition “English Rock” en Janvier/Février dernier au Centre d’Art André Malraux de Rouen en France qui se présentait comme un grande rétrospective de vos travaux au travers de groupes mythiques comme The Cure, Paul McCartney, David Bowie et bien d’autres. Comme les Américains aiment à dire: “what’s next?” Pouvez-vous donnez aux audiences FotoFilmic un scoop sur votre actualité artistique et médiatique à venir?

RB: Je reçois fréquemment pas mal d’invitations à exposer pour différents évènements, et selon ma vitesse de fainéantise les choses se font ou pas dans l’année ou l’année et demi à venir. En ce moment je travaille sur plusieurs évènements, dont un dans une église à Toulon au mois de Novembre pour “Le Supermarché de l’Art”. Sinon je travaille essentiellement sur mon livre, la première édition de “Un Oeil sur la Musique” étant complètement vendue et m’ayant vraiment ouvert pas mal de portes, je me suis lancé dans un ambitieux projet de ré-édition pour en publier une grande version augmentée, de l’ordre de plus 3 kilos par rapport à l’édition originale (rires)! La ré-édition fera donc plus de 5 kilos et 750 pages (47 cahiers de 16 pages), avec les premières photos remontant à 1980 et les dernières datant de 2015 pour un total de plus de mille photos. La maquette est faite, et j’en suis au stade de préparation pour lancer une campagne de financement participatif (sur la plateforme Ulule), comme souvent avec des opération de publication de cette envergure. Le bouquin va vraiment être terrible, donc là je me concentre vachement là-dessus pour que ça reste du plaisir et que ça sorte à l’heure. Le pavé sera disponible pour environ €120 avec pas mal de goodies, comme de petits tirages 10x15cm, mais aussi des grand formats en éditions limitées. Et pour €15,000 je viens chez vous faire une exposition complète pendant une semaine partout dans le monde, en plus du bouquin bien sûr (rires)! Voilà pour 2017.

F/F: Enfin, si tout était possible (et pourquoi pas?), quel serait votre ultime projet photographique (ou autre) coup de coeur?

RB: Je connais deux garçons qui habitent Los Angeles, et certes LA c’est une grande ville mais ça doit être possible de les faire se retrouver. Pourquoi ces deux là? Parce que leur sexe était totallement emblématique du rock’n roll à la grande époque! Il y en a un dont la bite a fait la cover de l’album “Sticky Fingers” des Rolling Stones, il est connu pour en avoir une très grande et a même fait des films porno, c’est le mec qui joue avec Jane Birkin dans “Je t’aime moi non plus”, il s’appelle Joe Dallesandro. Faut imaginer Andy Warhol s’agenouillant devant lui et faisant une photo qui deviendra une pochette de disque des Rolling Stones, c’est assez incroyable! Et puis le deuxième c’est le gamin qui est dans la piscine qui a donné la pochette de l’album “Nevermind” (Nirvana), les deux habitent Los Angeles aujourd’hui et je me suis toujours dit qu’à un moment ça serait tellement cool de les faire se rencontrer et d’en faire une photo! Mais bon ptêt que c’est pas une bonne idée, que les deux mecs auraient rien à se dire, surtout qu’il y en a un qu’est quand même plus vieux maintenant. Ou alors on pourrait en faire un truc bidon de télé réalité, bref je sais pas trop. J’ai les contacts de l’un et de l’autre, mais les manières dont je peux les contacter tous les deux sont tellement rocambolesques! Ça serait quand même drôle que j’active ces réseaux qui pourraient me permettrent de prendre cette photo. Le gamin de la pochette de Nirvana habite dans le quartier d’une fille qui a une galerie à LA et où il a fait sa première expo, il a maintenant 18-19 ans et fait des graphs sur des planches de skate. Donc mon contact c’est la personne qui a cette galerie, qui est d’ailleurs la fille de Rika Zaraï, rien que ça déjà c’est drôle (rires)!

Après il y a un autre sujet plus sérieux sur lequel j’ai essayé de travailler, plutôt en dilettante, en conclusion du bouquin… parce que la photographie et le livre servant plus ou moins à la même chose, à savoir à ammener des choses du passé dans le futur, et pour jouer de ça à pleine puissance, ça serait de faire une photo qui n’aurait d’intérêt que d’aller se balader dans le temps, pour faire court. Et donc l’idée serait en écho au festival de jazz de Montreux (en Suisse) qui a depuis toujours enregistré tous ses concerts (depuis 1967), et qui a versé son fond d’enregistrement à l’Unesco en 2013 (dans le cadre du programme “Memory of the World”). La première chose qu’ils ont faite donc c’est de tout numériser, et je pense que les mecs avec leur 4 teraoctets de jazz sont maintenant bien dans la merde comparé au pyramides de Cheops et autres merveilles du monde! Ça va être vraiment dur pour les générations futures d’avoir accès à ça, avec quelle câble, quel disque dur? C’est un peu par ironie méchante, mais j’irais bien photographier leur armoire numérique avec une légende du genre “La Mémoire de Montreux pour l’Humanité, bonne chance les gars!”