The Shift
© Thomas Van Den Driessche | From the series The Shift Jharia, Inde | Juin 2009

English Version: translated from French by FotoFilmic (original French version to follow):

1. First a journalist and humanitarian manager, your professional interests started to shift towards photography from the mid 2000s. Yet your documentary photography stands out today in a unique fashion compared to most other European photojournalistic works: shot on film, both in B&W and color and in 35mm or several different medium-formats, your series are all very diverse editorially but always appealing in their own quiet artistic and aesthetic vision. Can you talk a little about the grounding of your work in film and analog photography in the context of digital technology today? How are these supposedly slower production processes viewed by the photo editors with whom you collaborate on a regular basis (“L’Express”, “Le Nouvel Observateur”, “The Guardian”, etc)?
My photographic practice is relatively recent. I really got into photography with professional intentions in 2009. For the first few years I worked on personal projects while still involved with humanitarian missions management. I’m therefore very pleased to hear you can find my work worthy of distinction in contemporary European photojournalism 😉 In my series I try speaking about what’s real objectively in a personal manner. I also wish to keep questioning the photographic medium further in the background of future works, while being creative at supporting new narratives in it.

I decided to completely dedicate myself to photography only recently. I’m being realistic in the fact that I know most of my present incomes solely rely on editorial and commercial assignments. These allow me to work on my personal projects. As a professional photographer, I am often required to work digitally to satisfy my client’s expectations. That means that choosing film photography for my own series isn’t a nostalgic look back. Between this and my professional assignments, I am used to switch from one photographic medium to another on a fairly regular basis.

Reserving film to my documentary projects is also a clear and convenient way for me to separate work from the rest. However, I noticed that more and more enlightened editors seem to approach recently with a request for a more creative and personal envisioning of their subjects. These still cultivate a real understanding of photographic language and meaning, and so it’s naturally that the switch to film occurs in these scenarios in order to give them in return what is in my opinion a much more refined body of work.

© Thomas Van Den Driessche | From the series Strangely Dampremy Belgique | 2011-2012 work in progress

2. It seems the conception and delivery of your documentary series always eventually benefit from the practical limitations inherent to photographing on a limited physical medium like film. A clear example of this can be found in “The Shift”, where you ended up shooting 20 Indian miners portraits underground using a Holga plastic camera with fast B&W film (Kodak Tri-X) due to poor lighting and lack of time. Are film aesthetics and its unique artistic rendition a deliberate part of your work’s meaning in general?
My use of film for personal projects revolves around two main considerations, one rather technical and the other more or less “philosophical”. From a technical viewpoint, I’m very familiar with the color materials I use: I know how to replicate the subtle, subdued, almost a bit “faded” color palette I like to work with when scanning my negatives by slightly overexposing Kodak Portra 400 films for instance. I have yet to find a way to achieve the same lighting and ease of color management workflow using digital technology. Working on film also allows me to shoot medium-formats and get much smoother and more controlled transitions from sharp to blurry than any full-frame sensor would. And professional digital medium-format systems are still financially out of reach for most independent photographers…

One of the most wonderful aspects of shooting on medium-format reflex cameras for me is viewing and focusing on the ground glass. It represents a very ideal way of working that almost gives you a pre-visualization of what you’re going to get on your negative. Henri Cartier-Bresson, a fan of Leica’s direct point-and-view system, once said to his friend Willy Ronis: “If God wanted us to shoot 6x6s we’d have eyes on the stomach. It’s annoying to approach people through the belly button.” To which Ronis replied “the Rolleiflex is the summit of photographic courtesy, respect and humbleness…” It’s perhaps that very photographic respect and humbleness for my subjects that make me enjoy the ground glass vision so much…

The other big reason for being so attached to film for my personal projects is precisely its lack of visual feedback. When shooting DSLRs one spends almost more time looking at screenshots than fully experiencing the photographic situation. Almost always we end up needing to check the shots taken in a visual edition before moving on to what’s next. With no visual means to check, film keeps you in doubt. Being in doubt is a fantastic creative outlet, one never let go of the subject and has to try different angles and framing thinking this particular instant will never happen again and so cannot be missed.

Moreover I don’t have to spend hours editing down countless files when on assignment abroad: the films are at the bottom of my bag, and in my head I already know what shots will make the cut. It’s such a wonderful exercise to mentally reconstruct a story shot weeks ago solely based on the photographic memory you have of them. Lastly, one of the last incentive to film photography is its price: it may sound a bit paradoxical but film is cheap in the sense that its cost per image forces you to rationalize each firing of the shutter to make it worth something. Its economics dictates that you only photograph for good reasons or motivations, and that in return makes the editing process quite easy.

© Thomas Van Den Driessche | From the series Strangely Dampremy Belgique | 2011-2012 work in progress

3. A Belgium photographer, you also belong to the international collective of independent photographers “Out of Focus“, and are a nominated member of the French Agency “Picturetank“: Can you briefly describe these two organizations’ mandate as well as their respective approach to publishing photography today?
Well I’d say that first and foremost “Our of Focus” remains a tight group of passionate friends, all photographers with the pros and cons one can imagine.  Where the collective really shines is in the diversity and quality of views it engages. We’re all pushing hard in the same direction to tell photographic stories that have depth and bring something substantial to the table. Some amongst us have adopted a more photojournalistic or Anglo-Saxon approach, while some others are good example of a new French documentary style.  I really like this diversity of views and photographic culture. There’s no such thing as one truth only in photography, but rather instead different subjectivities trying to interpret and translate the complexity of the reality they’re in as best as possible,

It’s tougher and tougher to make a living as photographer nowadays. The same goes for getting public recognition for personal work. There’s no doubt that collaborating and pulling ourselves together is the right answer. “Our Of Focus” managed to get decent attention those past few years in the documentary photography circles. Being a collective gives our work more credibility and depth and makes us more appealing, no doubt.

“Picturetank” is on the other hand a ore regular cooperative agency of photographers. It was created in Paris 10 years ago to enable non-commercial photographers to share and diffuse their images through a common online platform accessible to photo editors.  Through time “Picturetank” morphed into a true agency with reps promoting and selling its photographers’ reportages to the national press. Less traditional though is the fact that “Picturetank” also ventured into representing collectives instead of sole individuals. It’s that network of collectives that today makes the fabric of the agency, with such groups as Terra Project from Italy, Kameraphoto from Portugal, from Argentina, or the French Transit, Argos and Odessa and of course us as the small “Out of Focus” Belgian one!  That’s “Picturetank”: concrete, heavy and wide, and it’s a totally unique photographic network in photography’s contemporary landscape!

© Thomas Van Den Driessche | From the series How to be a photographer

4. Your love and interest for Photography and all things analog is even more manifest through the wonderful travel notepads you also publish and that reconstruct lived experiences of photography abroad. A different type of notepad series has however garnered even more attention lately: titled “How to be… a Photographer in four lessons”, these humoristic, sometimes cynical but always affectionate sketchbooks virtually do over all photographers’ stereotypes in labeling themselves “war photographer”, “contemporary photographer”, “conceptual photographer” or even “Düsseldorf School photographer”. Each bragging title is illustrated by 4 photo-booth portraits of yourself mimicking its attributes and through a short typewriter text in Dadaist provocative flavors: how did you come up with such a project?
I all started in Brussels in 2012 with a Musée de L’Elysée de Lausanne historical exhibition titled “Behind the Curtain, photo booth aesthetics” revisiting the artistic influence and impact of photo booths since the 1920s when they were invented.

In fitting with that theme, the curators had installed a 1960s era automated photo booth near the exhibition exit. Like most visitors, my girlfriend and I sat in there for a couple portraits… right before we left though, I went back alone. I always keep a camera with me at all times, that day it was a genuine Lomo LCA “made in USSR”… inspired by the exhibition, I tried working out a short photo sequence in four portraits: “1. I have a vintage camera 2. You have film 3. Somebody’s available 4. Here you go, a pretty portrait…”

Back home, looking at the photo strip I realized my scenario was a bit too mundane. I tried adding text to make a fool of myself and better highlight the common traps many young photographers fall into right out of art school.

The typewriter text choice was to keep the overall picture in the same mood and aesthetic as the 1960s photo booth. I really like its graphic typography and it just worked very well together. English language was a given. Its more direct sentence structure keeps texts short and to the point. It also allowed me to feel more detached from the loose criticism I was aiming at the milieu.

That’s how the first “How to be…” was born… as the “How to be a contemporary photographer”.

The next Monday morning I posted it on my Facebook. To my surprise it quickly gathered a lot of positive comments. The year before I attended the famous French photojournalism festival “Visa pour l’Image” in Perpignan for the “semaine des professionnels” (professionals’ week). I was the struck by the “uniform” all these photojournalists wore: fashionable 3-day facial hair, leather jackets, adventurer’s scarves, M Leicas over the shoulder… I thought it’d be so easy to setup a quick “How to be a war photographer” for the following Monday.

At the beginning I didn’t really intend to produce a formal “How to be…” series at all. It was just a good joke. But next Monday came and several people contacted me right away asking where was the weekly “How to be…” That made me laugh at first… but then I got to think about it a while longer. I started writing down ideas for it in a small notepad, and drawing mini contemporary photography lessons storyboards.

Timing couldn’t be more perfect. I had just become a dad and was transiting professionally… Working on a photographic project just 10 minutes from home was a good change from the hours, weeks, sometimes months I used to spend far away as a documentary photographer… I therefore really enjoyed delving into this new project of writing satirical photography lessons.

The most surprising aspect of it was the huge reach it immediately got. From mere joke the project turned into a serious piece of photographic publication opening me a lot of doors previously shut tight. In a matter of months my website traffic exploded, the “How to be..,” went viral and global being simultaneously translated in Russian, Chinese, Spanish and Portuguese languages… Then in May of that year I was invited to exhibit the series in Sètes (Southern France) as an official selection for the “Images Singulières” (Singular Images) festival right next to incredibly talented photographers I admire like Roger Ballen… The project immediately interested a photo publisher (André Frères Editions), and there I am having just published a photography book at the Paris Photo Salon in November of 2013…

© Thomas Van Den Driessche | From the series Banger Rules Belgique, France | 2012 work in progress

5. FOTOFILMIC is dedicated to promoting the new generations of photographers attached to film today: what essential advice or recommendation would you have for them?
Don’t give up. To involve themselves entirely in Photography while finding means to keep going and remain independent both financially and artistically. I’d also tell them to keep questioning their own practice, as well as their choice of film. Film photography needs to be justified in their work either aesthetically or narratively, it can’t just be a temporary answer to a resurgence of interest in the medium or a vintage throwback. In my opinion each new series and work must challenge these choices (film or digital, film type or film format, etc).

6. You are based in Brussels in Belgium but often travel throughout Europe and to India to pursue your photographic projects and assignments: how is the film photography industry doing right now in Brussels? Do you still find easy access to photographic labs and analog photography stores in that city? What about in India?
As with most places the film photography reality there isn’t that great. Brussels has got less than 5 professional processing labs left.  I have been going to “Color C 41” (, a small lab owned and operated by Patrick Rosse, for years. Patrick is a real film artisan with his lab setup on the first floor of his own house. However every time I visit him to drop off some films he tells me how fewer and fewer customers he ends up having. That’s not very reassuring.  I fear coming to a close door in the months or years ahead.

I feel the labs that will have a greater chance at surviving are those professional ones who have diversified early on to also afford digital services.

As for the film photography situation in India, I’m not quite sure. When going there I always bring my own big stash of film (120 Kodak Portra film and 35mm Ilford HP5 for my B&W projects). I don’t think I have processed any film in India in years. Yet I recall easily finding Tri-X film in Delhi during my last reportage there in 2012.

7. What have you been up to recently? Any recent achievements, projects, news?
2013 was busy with several key publications, many prominent festival exhibitions (Boutographies in Montpellier, Images Singulières in Sète, Rencontres d’Arles, Format Festival in Derby), and last but not least the “How to be a Photographer” book release. In the end I’m afraid I spent more time promoting my existing work than creating new one. But that seems to be productive, with many new doors opening in 2014 for both personal projects and assignments.  Right now I’m getting ready to set off for India again for several weeks to deepen and lengthen the “Strangely Dampremy” and “Banger Rule” series, both works in progress. I also expect new photographic opportunities to unfold in Belgium in the next coming months. So not too many set plans for now, just the dire desire to photograph and make new stories.

© Thomas Van Den Driessche | From the series Banger Rules Belgique, France | 2012 work in progress

8. If anything was possible, what would be your next ultimate project photography-wise (or else)?
Time out!… I’m too random a person to tell what ultimate project that might be yet. Photography really enables me to open different doors, to get into fascinating situations foreign to me. Why the heck would I otherwise be in a freefight room, in a speeding smashed up car on a provincial open road, or 3000 feet underground with Indian miners in the Kathputli slum… if I didn’t hold a camera in my hands? I’d have to be nut,  half-crazy at least… the camera seems to validate my presence in these places and situations… and then the stories told through it seem to find their audience… I only wish for this dynamic never to stop…



1.  De formation journaliste et gestionnaire humanitaire avant de verser dans la photographie dans le courant des années 2000, votre travail de reportage occupe aujourd’hui une position et une presentation à part dans l’univers photojournalistique européen: éditorialement libres et artistiquement très aboutis, tous vos travaux sont capturés sur film que ce soit en couleur ou noir-et-blanc et dans une multitude de petits et moyens formats. Pouvez-vous nour parler un peu de ce choix assumé de l’argentique et de l’analogue à l’époque du tout-numérique? Comment cette méthode de travail et cette moindre vitesse de production sont-elle reçues de la part des éditeurs des magazines nationaux où vous publiez régulièrement (L’Express, Le Nouvel Observateur, The Guardian, etc)?
Ma pratique photographique est relativement récente. Je dirai que j’ai vraiment commencé à prendre des photographies en étant conscient de mon acte photographique en 2009. Pendant quelques années, j’ai développé mes propres projets photographiques en parallèle à mon travail de salarié dans le domaine humanitaire. Je suis donc agréablement surpris de lire que vous considérez que ma jeune production photographique occupe une position à part dans l’univers photojournalistique européen 😉 Ma volonté dans mes travaux personnels est de parler du réel tout en donnant une forme très personnelle à mon propos. Glisser de subtiles interrogations sur l’acte photographique dans mes différents travaux est également un élément que je souhaite continuer à développer à l’avenir tout en tentant de nouvelle manière créative de renforcer mon approche narrative.

Tout récemment, j’ai décidé de me consacrer totalement à la photographie. Etant pragmatique et réaliste une bonne partie de mes rentrées financières à ce stade découlent de commandes commerciales ou éditoriales. Ces projets me permettent de financer mes projets personnels. En tant que photographe professionnel, je suis donc amené à travailler régulièrement en numérique pour répondre aux attentes de mes clients. Travailler en argentique dans le cadre de mes projets personnels n’est donc pas un réflexe nostalgique. Pour la majorité de mes commandes photographiques, je travaille en numérique. J’ai donc l’habitude de jongler avec les deux mondes.

Je réserve l’utilisation de l’argentique à mes propres projets documentaires. Une façon assez claire donc de faire la distinction entre mon travail d’auteur et mon travail éditorial ou commercial.

Mais depuis quelques temps, je suis approché par des rédactions éclairées ayant encore une vraie politique photo me demandant d’apporter une réelle dimension créative et personnelle à la réalisation de certaines commandes. Et là le switch se fait naturellement et je retourne à la pratique argentique pour un résultat à mes yeux souvent bien plus abouti.

2. Il semble que la conception et la réalisation de vos séries photographiques soient au final toujours brillamment tributaires des limitations pratiques imposées par le fait de photographier sur un médium physique et limité comme le film. Un exemple frappant peut être trouvé dans votre série ‘The Shift’ où les conditions très contraignantes d’environnement à l’intérieur de la mine indienne que vous documentiez vous ont ammené à portraitiser 20 mineurs en utilisant une caméra Holga et un film noir-et-blanc rapide (Kodak Tri-x). L’esthétique film, ainsi que la personalité artistique particulière qui correspond à ses pratiques sont-elles toutes deux parties prenantes de la signification de votre travail?
L’utilisation de l’argentique sur mes projets personnels repose sur deux raisons majeures. L’une technique et l’autre plus « philosophique». D’un point de vue technique, je connais parfaitement les films couleurs avec lesquels je travaille. En surexposant légèrement mes Kodak Portra 400, je suis certain de retrouver, dès le scan, les tons doux, nuancés et un peu « éteints » qui caractérisent mon travail. Je n’ai pas encore réussi à retrouver la même aisance dans la gestion des couleurs et des lumières en numérique. De plus, l’argentique me permet de travailler au moyen format et d’obtenir des transitions de flou beaucoup plus harmonieuses que ce que me permet un capteur full frame numérique. En effet, les moyens formats numériques restant toujours inabordables financièrement à l’heure actuelle… .

Une des caractéristique que j’apprécie particulièrement en travaillant au reflex moyen format argentique, c’est la visée sur le dépoli. C’est pour moi une merveilleuse manière de travailler.

J’ai l’impression de directement voir sur le verre de visée l’image que j’aurai sur mon négatif. Cartier Bresson, adepte de la visée directe avec son leica, a dit un jour à son ami Willy Ronis « Si le bon dieu avait voulu qu’on photographie avec un 6×6, il nous aurait mis les yeux sur le ventre. C’est gênant de regarder les gens par le nombril. » Réponse de Willly Ronis « le rolleiflex est l’apothéose de la courtoisie, du respect et de l’humilité… ». Voilà, c’est peut être ce respect et cette humilité face au sujet que je photographie, qui me rend ce fameux « dépoli » si attachant…

L’autre raison qui me pousse à rester attaché à l’argentique pour mes travaux personnels est cette absence d’image immédiate. Avec un appareil numérique, on passe plus de temps à regarder son écran que de vivre pleinement une situation. Bien souvent, on pense avoir la bonne photo en vérifiant sur place ses images et on passe à autre chose. En argentique, sans contrôle immédiat, on doute en permanence. Et ce doute est un formidable outil de création. A aucun moment, on ne lâche son sujet. On tente différents types de cadrage et d’approche en se disant que « cet instant » ne se reproduira jamais et qu’on ne peut pas passer à côté.

De plus, en reportage à l’étranger, je ne passe pas des heures sur l’éditing immédiat des fichiers sur un ordinateur. Les pellicules sont au fond du sac. Dans ma tête, je sais déjà quelles images seront les bonnes. C’est un merveilleux exercice que de construire une histoire pendant plusieurs semaines sur les seuls souvenirs des images réalisées précédemment. Enfin, dernier avantage lié à l’argentique : le prix de la pellicule. Cela peut paraitre paradoxal mais comme chaque image a un coût, on réfléchit à chaque déclenchement, on travaille à l’économie. On ne prend que ce qui vaut la peine d’être pris, ce qui facilite grandement l’éditing au retour.

3. Photographe belge, vous appartenez également au collectif international de photographes indépendents ‘Out of Focus‘, et êtes membre nominé de l’agence française de photographie ‘Picturetank‘. Pouvez-vous nous décrire brièvement les différentes missions et philosophies de publication de ces deux organisations?
Je dirais qu’Out Of Focus, c’est avant tout une bande de potes passionnés de photographie avec tous les avantages et les inconvénients que ca peut représenter. La vraie richesse de ce collectif, c’est à mes yeux la qualité et la diversité des regards. On va tous dans la même direction, à savoir qu’on veut raconter des histoires fortes sur la longueur avec un vrai parti pris visuel. Certains d’entre nous ont une approche plus anglo-saxonne, plus photojournalistique, d’autres s’inscrivent plus dans la tendance « nouvelle photographie documentaire à la française ». Ca me plaît énormément cette diversité des regards. En photographie, il n’y à pas une vérité, mais bien des subjectivités tentant de rendre au mieux toute la dimension et la complexité du sujet traité.

Il est de plus en plus difficile à l’heure actuelle de vivre de la photographie. Obtenir un minimum de reconnaissance pour son travail d’auteur est également une chose de moins en moins aisée. L’union fait la force, ça ne fait aucun doute. Out Of Focus s’est construit ces dernières années une très bonne réputation dans le petit monde de la photographie documentaire. Le fait de se présenter sous forme de collectif donne plus de profondeur à notre travail et renforce notre force de frappe, ça ne fait aucun doute.

Picturetank de son côté est une agence coopérative de photographes. L’idée de départ de cette structure qui a vu le jour à Paris il y a 10 ans était de permettre à des photographes auteurs de concevoir et de partager une plateforme numérique pour la diffusion de leurs images à un maximum de rédaction. Avec le temps, Picturetank a pris la forme d’une véritable agence avec des commerciaux représentant les photographes et vendant activement les reportages des membres aux grands quotidiens internationaux. Mais l’une des particularité clés pour moi de Picturetank est que cette agence ne se base pas que sur des individus et s’est rapidement ouverte aux collectivités. La colonne vertébrale de l’agence est à mes yeux l’ensemble des collectifs qui la compose. Les italiens de Terra Project, les portugais de Kameraphoto, les argentin de, les français de Transit, Argos et Odessa et les petits belges d’Out Of Focus. C’est du lourd, c’est du collectif et c’est chez picturetank, la seule structure de ce type!

4. Votre amour de la culture photographique et des mode de communication analogues est encore plus manifeste au travers des merveilleux ‘carnets de route’ que vous publiez et qui racontent l’intimité reconstruite d’expériences photographiques autant originales qu’originelles (des livres de rephotographie?). Un carnet encore plus particulier, cependant, s’intitule ‘How to be… a Photographer in four lessons’ (Comment être… photographe en quatre lessons). Oeuvre à la fois humoristique, caustique mais toujours affectueuse de son sujet – les photographes, tous les photographes – ce carnet acte les stéréotypes les plus cocasses qui conduisent de nombreux photographes à se qualifier de “contemporain”, “de guerre”, de “conceptuel”, ou encore “de l’école de Düsseldorf”. Chaque qualificatif ronflant est illustré de 4 autoportraits photomaton de vous-même et soigneusement mis en boîte en 4 courtes lessons au parfum Dadaiste irrésisitible: comment vous est venue l’idée d’un tel projet?
Ce projet a démarré suite à la présentation à Bruxelles en 2012 d’une exposition montée par le Musée de l’Elysée de Lausanne intitulée « Derrière le rideau, l’esthétique photomaton ». Cette merveilleuse exposition révélait l’influence du photomaton dans le milieu artistique depuis sa création dans les années 20 jusqu’à nos jours.

Intelligemment, les organisateurs avaient installé une veille machine photomaton des années 60 à la sortie du lieu d’exposition. Comme la plus part des visiteurs, on a réalisé avec ma copine quelques portraits de couple… Juste avant de repartir, j’ai néanmoins fait un dernier saut dans la machine. Je me balade quasi toujours avec un appareil photo sur moi. Ce jour là, c’était un vrai Lomo LCA « made in USSR »… Inspiré par la visite de l’exposition, j’ai donc tenté de faire une petite séquence en 4 images : « 1. Vous avez un appareil photo vintage, 2. Vous avez une pellicule, 3. Vous avez un modèle, 4. Le tour est joué, vous avez un joli portrait… ».

De retour chez moi, en regardant la bande de photomaton, je me suis rendu compte que ma mise en scène était un peu simpliste. J’ai tenté d’y ajouter un peu de texte afin de me tourner en dérision tout en mettant en lumière certains pièges dans lesquels semblent tomber de nombreux jeunes photographes sortant d’écoles d’art.

Afin de rester cohérent avec le photomaton issu d’une machine des années 60, j’ai opté pour une intégration des textes avec une bonne veille machine à écrire. J’aime la forme de cette typographie « typewriter », c’est très graphique et ca donnait une vraie cohérence à l’ensemble. L’anglais me semblait également une évidence. Cette langue est plus directe garantissant des textes courts et percutants. Et puis le fait de travailler dans une langue étrangère me permettait de me sentir plus à l’aise dans cette gentille critique du « milieu ». Je mettais d’une certaine manière une légère distance entre ma personne et mes propos couchés sur papier.

De là est né le premier « How to be »… A savoir le «How to be a contemporary photographer».

Le lundi matin, j’ai posté cette première réalisation sur facebook. A ma grande surprise, j’ai rapidement reçu un grand nombre de commentaires très enthousiastes et très positifs …  M’étant retrouvé à Perpignan dans le cadre de la semaine des professionnels du festival « Visa pour l’image » l’année précédente, j’avais été frappé par « l’uniforme » que portaient tous ces photojournalistes… Barbe de trois jours, veste en cuir, foulard de baroudeur, Leica M à l’épaule. Je me suis donc dit qu’il serait facile de mettre sur pied pour le lundi suivant un « How to be a war photographer »

Au départ, je ne comptais pas du tout me lancer dans la production d’une réelle série de ces « How to be ». C’était juste un gag isolé. Mais le lundi suivant, plusieurs personnes m’ont contacté s’inquiétant de ne pas voir le « How to be » de la semaine. Sur le moment, ca m’a bien fait marré… Et puis pendant quelques temps, l’idée a mûrit. Je me suis mis à noter des idées dans un petit carnet, à dessiner des mini storyboards avec de nouvelles leçons sur la photographie contemporaine.

Le projet tombait à pic. Je venais d’être père et j’étais dans une phase de transition au niveau professionnel… Monter un projet photographique et créatif à 10 minutes de chez moi, ca me changeait de mes habitudes de photographe documentaire passant des heures, des jours et parfois des semaines loin de chez moi… Je me suis donc lancé avec énormément de plaisir dans la réalisation de cette longue série de leçons.

Le plus étonnant dans ce projet, c’est l’écho qu’il a rapidement reçu. Cette simple blague au départ est vite devenue un projet pris au sérieux par pas mal de monde et m’ouvrant des portes dans le monde de la photo qui m’étaient restées fermées jusque là. En quelques mois les visites explosaient sur mon site web personnel, les « how to be » faisaient le tour du monde sur internet étant traduit spontanément en russe, en chinois, en espagnol, en portugais… Et puis en mai de cette année, je me suis retrouvé invité à exposer ce projet à Sète dans le cadre de la sélection officielle du festival « Images Singulières » au côté d’immenses photographes dont j’admire profondément le travail, tel qu’un Roger Ballen par exemple… Sur place, le projet a immédiatement séduit un éditeur (André Frère Editions) et me voilà, au bout du compte, avec un livre sorti à l’occasion du salon Paris Photo en novembre 2013…

5.    La plateforme de publication FotoFilmic ainsi que sa compétition internationale FotoFilmic’14 ont toutes deux pour mission de favoriser l’émergence de nouvelles générations de photographes argentiques et analogues: quels conseils et recommendations essentielles leur donneriez-vous pour réussir?
De ne pas baisser les bras. De se plonger corps et âmes dans leur photographie tout en mettant sur pied un système viable et rentable pour pouvoir durer sans rendre de compte à personne dans ce métier. Je leur dirais également de s’interroger en permanence sur leur propre photographie en général et sur l’usage de l’argentique en particulier. L’utilisation du film ne doit surtout pas être nostalgique ou juste répondre à un phénomène de mode (vintage, lomography), ca doit être un vrai parti pris, un choix réellement réfléchi du photographe visant à répondre à un réel besoin esthétique ou narratif. Ce choix (argentique ou numérique, type de pellicule, type de format) doit à mes yeux être réévalué pour chaque nouvelle série.

6.    Vous êtes basé en Belgique à Bruxelles mais voyagez régulièrement dans l’Europe entière ainsi qu’en Inde pour vos travaux en cours: quelle est la situation du milieu argentique à Bruxelles, trouvez-vous toujours des laboratoires, magasins et distributeurs argentiques facilement? Même question pour l’Inde que vous connaissez: quelle est la situation de l’industrie et du marché argentiques là-bas?
Comme un peu partout la situation n’est pas brillante. A Bruxelles, on compte moins de 5 labos effectuant encore correctement des développements de films professionnels (moyen format, plan film). Personnellement, je me rends depuis des années chez Patrick Rosse de Color C 41 ( C’est un vrai artisan dans le bon sens du terme. Son labo se situe au rez-de-chaussé de sa maison familiale. Mais à chaque fois que je dépose des pellicules chez lui il me parle de sa clientèle qui fond comme neige au soleil. Ce n’est pas rassurant. J’ai vraiment peur de me retrouver dans les mois ou quelques années à venir devant une porte close.

Je pense que ceux qui survivront un peu plus longtemps, sont les labos professionnels qui se sont diversifiés depuis un petit bout de temps en développant en parallèle des services numériques.

Pour ce qui est de l’Inde, je n’en ai aucune idée. Je pars en permanence avec une bonne réserve de film (kodak portra en 120 et illford HP5 pour mes projet noir et blanc au 35mm). Je n’ai plus développé de film en Inde depuis des années. A Delhi, je me souviens d’avoir trouvé sans trop de difficulté du tri-x lors de mon dernier reportage sur place en 2012.

7. Parlez-nous un peu de votre actualité artistique: avez-vous de récents projets, expositions ou publications à partager?
L’année 2013 aura été une année bien chargée, pas mal de publications clés, des expositions dans le cadre de festivals qui comptent (Boutographies de Montpellier, Images Singulières à Sète, Rencontres d’Arles, Format Festival de Derby) et puis surtout la sortie sous forme de livre de mon projet «How to be a photographer». J’aurais finalement peu photographié dans le cadre de mes projets personnels mais passé beaucoup de temps sur la promotion de mes travaux existants. Et ca semble porter ses fruits. Pas mal de portes se sont ouvertes. 2014 sera orientée vers la réalisation de nouveaux projets personnels en parallèle à ma photographie de commande. Je m’apprête à repartir pour plusieurs semaines en Inde, je compte me plonger plus profondément dans mes séries «Strangely Dampremy» et «Banger Rule» qui sont encore des «work in progress». De nouveaux projets photographiques devraient se construire en Belgique dans les mois à venir. Peu d’actualités prévues donc à ce stade, juste une immense volonté de réaliser des images et de raconter de nouvelles histoires.

8.   Si tout était possible, quel serait votre ultime projet photographique (ou autre)?
Joker… Je suis trop touche-à-tout pour identifier à ce stade le projet ultime. La photographie me permet d’ouvrir tellement de portes, d’entrer dans des univers fascinants qui ne sont pas au départ les miens. Qu’est ce que je foutrais dans une salle de freefight, dans une bagnole défoncée roulant à tombeau ouvert sur un speedway de province, à 1000 mètres sous terre avec des mineurs indiens, dans le bidonville de Kathputli… Si je n’avais pas un appareil photo entre les mains… On me prendrait pour un allumé, voir un demi-fou… L’appareil photo semble me donner une raison valable d’y être… Et les histoires que je raconte semblent avoir un sens pour les lecteurs… Je souhaite juste que cette dynamique ne s’arrête jamais…


FotoFilmic’s new FILM TALKS series is all about sharing experienced views, artistic endeavors, industry outlooks and how to reshape the contemporary practices at the center of the film photography medium today. FILM TALKS invite advanced artists, independent publishers, photo editors and art dealers, as well as the broad creative crowd of visual arts to engage in insightful dialogues with FotoFilmic about film photography in all aspects.